Centenario Del Pierrot Lunaire

[Tiger]

...stavo meditando sulla dodecafonia.

 

Propongo il seguente ascolto

 

Arnold Schönberg, Pierrot lunaire (Full)

 

E' passato ormai un secolo...cosa ne dite?

[Eagle]

...stavo meditando sulla dodecafonia.

 

E' passato ormai un secolo...cosa ne dite?

 

Come scrissi un tempo, la dodecafonia è la dimostrazione che e come dall'applicazione di un metodo compositivo cerebrale e artificiale possono nascere delle opere d'arte e perfino dei capolavori (come Wozzeck e il concerto per violino di Berg o le variazioni per orchestra di Schoenberg).

 

Del resto, cosa c'è di tanto "naturale", per esempio, negli artifici contrappuntistici cari a Bach? Eppure, l'Arte della fuga o le variazioni Goldberg sono belle!

 

E il temperamento equabile, non è una distorsione artificiale delle scale fatte con gli armonici veri?

[Xenakis]

Un compositore che ne è stato sicuramente influenzato, l'avevo già segnalato:

 

Andrea Di Paolo - L'AZUR for Soprano and Piano (Radio France)

 

... e continua a piacermi molto

[pianoexpert]

E' vero! Siamo ad un secolo dalla nascita della scuola di Vienna...e ci sembra ancora di difficile ascolto!!!!!! Il fatto è che il Novecnto è difficile da accettare perché, secondo me, esprime la confusione del nostro mondo contemporaneo, confusione che permane e che si stà trasformando in esasperazione. Quindi forse è ancora così difficile per noi. La dodecafonia rappresenta la definitiva mrte del sistema tonale. Le gerarchie e le "monarchie" cadono dall'inizio del '900, le leggi di Newton, il sistema tonale....ecc Smarrimento. La musica è stata l'ultima a perdere la "vergogna", il "timore" di questo urto di cambiamenti. No è stato così per la Pittura, per la Danza, per la Fotografia, per lo Stile letterario. Non credete?

[Frank]

Siamo ad un secolo dalla nascita della scuola di Vienna...e ci sembra ancora di difficile ascolto!!!!!!

 

... tu non ci crederai, ma ormai quella musica è "classicismo".

 

Ho riascoltato volentieri i due lavori e si sente che Di Paolo ha un secolo di musica in più nelle orecchie.

[Valchiria]

...tredecafonia

 

Easley Blackwood - 13 notes Sostenuto

[Tiger]

Il Novecnto è difficile da accettare perché

Perchè? E cosa?...non sarà un calderone unico, no?

 

esprime la confusione del nostro mondo contemporaneo, confusione che permane e che si stà trasformando in esasperazione. Quindi forse è ancora così difficile per noi. La dodecafonia rappresenta la definitiva morte del sistema tonale. Le gerarchie e le "monarchie" cadono dall'inizio del '900, le leggi di Newton, il sistema tonale....ecc Smarrimento. La musica è stata l'ultima a perdere la "vergogna", il "timore" di questo urto di cambiamenti.

A che periodo ti riferisci?

 

No è stato così per la Pittura, per la Danza, per la Fotografia, per lo Stile letterario. Non credete?

A me risulta per esempio che...per

 

il Fauvismo

Il movimento dei “Fauves” (Belve) si sviluppa in Francia nei primi anni del novecento e si pone come obiettivo l’esaltazione dei colori vivi/contrastanti con il rifiuto della prospettiva e dello spazio.

H. Matisse (1869-1954) è uno dei suoi più autorevoli rappresentanti che influenzerà P. Picasso (1891-1973) e l’espressionismo tedesco.

Pablo Picasso avvia in Francia, con il pittore “fauve” G. Braque (1882-1963), la corrente artistica figurativa del “cubismo” che ricerca lo spazio ridotto a poche forme geometriche (poliedri, cilindri, coni) ad angoli acuti definiti “cubi”.

 

il Futurismo

In Italia nasce proprio nello stesso periodo il movimento artistico/letterario del “futurismo” che vuole proiettarsi verso il futuro e rompere radicalmente con il passato. Il suo fondatore, Filippo Tomaso Marinetti (1876-1944), pubblica il “Manifesto” del movimento a Parigi nel 1909 dove espone le proprie convinzioni con l’esaltazione del dinamismo della vita moderna (la macchina, la guerra, l’affermazione dell’individualità). Nella letteratura si propone l’abolizione della sintassi, della punteggiatura, delle parti significative del discorso (aggettivi, avverbi, etc.). Le nuove teorie vengono allargate al teatro, alla musica con “Il manifesto dei musicisti futuristi” (Milano, 1910), firmato da Francesco Balilla Pratella (1880-1955), e i futuristi criticano il melodramma, i critici conservatori e gli ambienti accademici. Nel documento “L’arte dei rumori” (Milano, 1913), firmato dal pittore Luigi Russolo, si propone l’ampliamento del campo dei suoni che la natura mette a disposizione con quelli riprodotti dalle macchine (tram, motori a scoppio, etc.) e, con l’invenzione degli “intonarumori”, strumento che riproduce meccanicamente vari tipi di rumori intonati, vengono proposte nuove esecuzioni d’avanguardia.

 

Se vuoi continuiamo di potrebbe continuare con Dadaismo, Surrealismo, Espressionismo ma importante è dire che il Nazismo liquiderà tutti questi movimenti definendoli “arte degenerata” e i loro esponenti costretti ad emigrare.

 

Rinnovo la domanda, a che musica ti riferisci … il fermento al quale (forse) fai riferimento è trasversale alle diverse arti e spesso la musica è arrivata “dopo”.

[Tiger]

Come scrissi un tempo, la dodecafonia è la dimostrazione che e come dall'applicazione di un metodo compositivo cerebrale e artificiale possono nascere delle opere d'arte e perfino dei capolavori (come Wozzeck e il concerto per violino di Berg o le variazioni per orchestra di Schoenberg).

 

Del resto, cosa c'è di tanto "naturale", per esempio, negli artifici contrappuntistici cari a Bach? Eppure, l'Arte della fuga o le variazioni Goldberg sono belle!

 

E il temperamento equabile, non è una distorsione artificiale delle scale fatte con gli armonici veri?

 

Vero

[Tiger]

... tu non ci crederai, ma ormai quella musica è "classicismo".

 

In che senso "classicismo"?

[thesimon]

Forse nel senso che con l'avvento della moderna musica elettronica e della tecnologia al suo servizio, ormai quella musica è "attempata" (in senso lato ovviamente )...

[Lucas]

Leggiucchiavo qualche vecchio topic, incredibile, un secolo ... chi l'avrebbe mai detto?

[Shark]

Segnalo questo scritto di Antonio Curcio, per gli interessati al brano

 

http://www.wanderer.it/prese_pierrot.html

 

Probabilmente il lavoro più famoso di Arnold Schoenberg (1874-1951), scritto nel 1912 a conclusione della prima fase della sua carriera compositiva. Le prime composizioni di Schoenberg risalgono agli anni a cavallo tra i due secoli, con lavori di ascendenza ancora tardoromantica ma che già si muovono in direzioni alquanto nuove, grazie alle forzature formali e strutturali che da una parte condurranno all'atonalismo (a sua volta anticamera dell'era dodecafonica che inizierà una decina d'anni dopo), dall'altra all'espressionismo in musica. C'è da ricordare che lo Schoenberg di quegli anni attraversa diverse esperienze artistiche e culturali che lo porteranno a formulare, in un importante saggio intitolato Il rapporto col testo, i principi estetici dell'"espressionismo musicale", con la rivendicazione della priorità dell'essenza "espressiva" della musica sui meri contenuti letterari del testo. Il Pierrot Lunaire risponde proprio a una tale visione, anzi nell'Introduzione alla partitura Schoenberg è quanto mai esplicito: "Gli esecutori non hanno qui il compito di ricavare lo spirito e il carattere dei singoli pezzi dal senso delle parole, ma esclusivamente dalla musica. Quanto l'autore ha ritenuto importante nella rappresentazione pittorico-sonora degli avvenimenti e dei sentimenti contenuti nel testo, sta nella musica".

Era stata la cantante di cabaret Alberatine Zehme a chiedere a Schoenberg un ciclo di canzoni in quello stile. Il musicista ricorre a una serie di poesie di un poeta simbolista belga, Albert Giraud, che una ventina d'anni prima erano state tradotte in tedesco da O.E.Hartleben, che però le aveva rivestite di una patina di crudo realismo. La selezione operata da Schoenberg (21 testi scelti sui 50 originari) non lascia intravedere una vicenda organica, piuttosto siamo in presenza di una serie di episodi slegati fra loro il cui protagonista è un Pierrot che vaga errabondo nella notte, alternando visioni liriche a immagini d'incubo, spesso crude e violente, attimi trasognati a momenti di follia e delirio. Frequenti, quasi ossessive, alcune immagini che tornano incessantemente nel testo: la luna, il buio, il dolore, il sangue… ma anche immagini sacre, che agli occhi di Pierrot assumono anche un carattere blasfemo.

Il lavoro si compone, quindi, di 21 brevi brani, tutti dalla medesima struttura (tre quartine, di cui l'ultima con un verso aggiunto che ripete quello iniziale). La struttura formale della musica, una consapevole deformazione e stilizzazione del genere del cabaret, che vi è sovrapposta varia invece da brano a brano. La voce recitante (Sprechstimme) del Pierrot racconta, in prima o terza persona, le sue allucinate visioni, poggiando su una raffinatissima orchestrazione fornita da una compagine da camera composta da pianoforte, flauto (o ottavino), clarinetto (o clarinetto basso), violino (o viola) e violoncello. Questi strumenti sono utilizzati, di volta in volta, nelle più diverse combinazioni, offrendo uno splendido contrappunto timbrico e coloristico nel quale si riflettono le deliranti visioni del protagonista. Frequenti i momenti di "assolo" di qualcuno degli strumenti, che rendono ancora più tese e levigate le atmosfere notturne del lavoro.

Ma forse l'elemento più peculiare del Pierrot Lunaire è proprio quello riguardante il canto: con quest'opera, infatti, viene coniato il termine Sprechtgesang ("canto parlato") ad indicare appunto un'interpretazione vocale che sta a metà fra il canto e la recitazione. Schoenberg concepisce un canto che osserva sì l'altezza delle note ma, una volta raggiunta, la lascia cadere senza intonarla pienamente. Nella citata Introduzione al lavoro, il compositore fu molto rigoroso al riguardo: "La melodia segnata con note nella Sprechstimme non è destinata (tranne singole eccezioni, del resto indicate) ad essere cantata. L'esecutore ha il compito di curare il cambiamento delle altezze di suono indicate con una "melodia parlata" (Sprechmelodie). Ciò avviene a patto che egli osservi molto scrupolosamente il ritmo, come se cantasse, cioè con non maggiore libertà di quella che si potrebbe permettere di fronte ad una melodia da cantare; si renda cosciente della differenza tra "suono parlato" e "suono cantato": il suono cantato conserva immutata la sua altezza, mentre il suono parlato da sì l'altezza della nota, ma la abbandona subito scendendo o salendo". Ovvio che Schoenberg ricorra a questo inedito modo di declamazione per accentuare i tratti allucinati e non-realistici, volutamente stranianti, del Pierrot: è stravolgimento, deformazione, grottesca esagerazione; è, in ultima analisi, "espressionismo" in musica, espressione del disagio e dell'inquietudine, dell'alienazione e delle paure dell'uomo moderno che sta perdendo la propria soggettività, inascoltato di fronte allo sfacelo morale di un mondo ormai prossimo a precipitare nella tragedia della guerra.

Antonio Curcio

[CanCan]

Opera molto innovativa, è passato già oltre un secolo...proprio vero!